“丁乙：十字体”展览以时间为轴线，梳理和展现丁乙自20世纪80年底中后期以来以“十字”作为一个基本的图像元素而发展至今的创作体系，同时首次呈现丁乙为此次个展特别创作的一组大型绘画作品，这组作品体现了艺术家近期创作的新突破。在不同的时期，艺术家在创作上不断尝试新手法，多维度地进行实验并从中获得鲜明的语汇、笔法、语法和修辞方式，使“十字”从一个基本符号生长为一个包容多种文法的表达体系。《当代美术家》与艺术家丁乙探讨了他的创作方式，与近期新的尝试。

《当代美术家》(以下简称“当”):此次个展以时间为轴线，梳理、呈现了您自20世纪 80 年代中后期以来,以“十字”作为基本图像元素的创作体系。您对自己30多年来的创作阶段是如何划分的?
丁乙(以下简称“丁”):创作阶段的划分其实是可变的，在不同的阶段,会有不同的划分方式,比如说最早期的阶段是“精确的时代”，用尺之类的规范化的工具;第二个阶段是“口语化的时代”,直接徒手作画;后来开始对材料进行研究,再到后来用了成品布、荧光色。
最近我有一种新的划分的方式，以视野划分,就是说在画面里所呈现的角度。我把它分为三个视野阶段，第一个阶段是平视,无论是早期借助尺，还是徒手作画的“口语化的时代”，以及对木炭、粉笔这些材料的探索,都是平视的视角，透视非常有限，我当时要追求的是形式主义，也就是平面化;第二个阶段是俯视,开始于我的“荧光色时，这跟整个社会的城市化进程有关，作品的视角好像是在空中看城市，或者在高楼之上看人群、人流、马路,包括霓虹灯,以及城市空间里的一些视觉印象;第三个阶段是仰视,2010年之后,我开始看更大的世界这个世界包括虚拟和真实，也包括全球化的视野,对不同地区的文明有了更多的了解后我自己的一些想法和对世界的判断产生了变化。我们从小接受的主要是以欧美为中心的价值观,甚至我们发展的目标都是赶超欧美但是以整体的视角观看全世界版图,从地域的角度来说欧美是很小的范围,更多的是所谓的第三世界国家，比如印度、阿拉伯这些地区，有着更加长久的文明。为什么我们看不到他们?他们在整个世界的构成里所呈现的力度到底是什么样的?我开始思考这样的问题。在画面的构成上，我也在考虑力量与力量之间的关系，以及虚拟的视觉经验，有些图像会有点像电子屏幕的感觉。世界在呈现一些问题,我带着这些问题来进行创作,再反映在画面构成上。在“仰视”的阶段我想把更多的东西包含进来,画面中可能会出现世界的版图，甚至星辰宇宙，当然这些图像是很抽象、宏观的。

当:视角的变化也正是您看待世界的方式和角度的变化。
丁:对,有成长就会有变化,会否定原来的一些判断,然后不断地调整自己的想法以前，我旅行的目的地都是欧美地区，近些年，我比较喜欢去第三世界的国家旅行，因为无论是从社会层面还是教育层面，我们对这些国家的了解太有限了。在印度、古巴阿拉伯这些地方，会感受到更真实的世界就像不断地在推开一些你不熟悉的大门。这些地区都有非常悠久的文明和历史，我们都会赞叹他们曾经的辉煌,古巴现存的一些破旧的建筑我都能感觉到她在20世纪30年代曾经的辉煌。这些旅行让我不禁思考，这些文明为什么衰落了?文明的中心是如何转换的?这让我有了很多思考。现在中国的制造业在第三世界国家的渗透是非常普遍的，比如汽车、空调、手机,日常用品就更不用说了但中国的艺术如何和这种力量相匹配?而关于这些问题的思考，也会反映在作品里

当:在您以“十字”作为基本图像元素的创作初期,您使用标尺来保证图像的标准统一。而后放弃标尺,回归“绘画”,比如通过画笔上颜料的余量自然形成深浅的变化，呈现了作画的过程。2015 年您在极木板上的创作更进一步,增加了雕刻的痕迹。您的作品留下了越来越多的个人行为造成的痕迹，这能否看作是您情感在创作中的流露?
丁:1988 年开始,我以“十字”作为基本图像元素进行创作。第一张作品是用标尺画的,我用了三原色一红、黄、蓝,“十字又是最简单的交叉符号，表达的就是“我要回到绘画最初始的阶段”。那个时候我很年轻，也没有多少阅历,只有一种勇气,以创作作为自己的宣言:从今天开始我要这样做了，跟你们都不一样。当时我就是有这样的决心和盲目的勇气。但是今天我没有必要宣言了,因为我用了30多年来证实了这条道路，我不必再强调它的绝对性。我不想再刻意，想让自己更真实，所以也不再给自己设置很多限制。
但我还是有坚持的标准，每一件作品我都在反复考究让它变成好的画。一个艺术家，要明白绘画是什么一一能够不断地散发魅力的作品，让人看不完的作品，就是好的作品。偷工减料，艺术家不能够沉浸在里面的作品肯定是有缺陷的。作品表面的东西大家都看得透,掩饰不了,最难掩饰的是真实在作品中呈现最真实的东西，让它表达出极限，我觉得就是好的。所以现在我觉得在作品中呈现各种各样的痕迹，不管是刀刻的,还是刻后再附加了一条线，都没有问题。因为绘画是一种整体的势,要有一种力量隐藏在画面里，让人感受到画面带来的震撼,哪怕是尺幅只有一米多的作品。如果作品不能与观者产生直接的交流，它就变成了装饰一件好的作品总是有一种力量传达给观众。产生互相激发的感觉。
作品要有情感，要真实，这就要求创作者始终保持良好的创作状态。所有的状态都是呈曲线的，时高时低，但是作为艺术家,要尽量扶住状态的走势，让它基本上保持在比较高的曲线里。想要维持这样的状态，需要每天沉浸在创作工作里面。如果时常中断创作的习惯，创作状态的曲线可能就会振荡得很厉害。

当:您曾提到近几年的创作“回到生命本身”。2020年疫情爆发，让所有人对于生命和死亡有了更多的理解，您在疫情隔离期间也创作了一批作品。请您谈谈那段时期的生活、创作，和在此期间创作的作品。
丁: 作为艺术家来讲,隔离的日子是一段很好的时光。上海是很喧闹的，展览活动也多，特别是周末两天,让我觉得很忙碌因为疫情，这些忙碌全部停止了,年初的家庭聚会也都取消了,我农历初一就开始回到工作室，回归了两点一线的生活状态。助理们因为过年都在休息,工作室只有我一个人这让我沉浸在工作中。这样的状态至少有两三个月，在这段时间里我感到很从容，创作时不断地设想重庆这场展览的计划，以及9月4号在科隆的个展。科隆展览原计划在4月开幕,因为疫情隔离,我有了更多的准备时间。
有一张去年创作的作品，我不太满意一直放在边上。疫情期间我整天在工作室里思考，我想赋予这张画更强的力量，最后拿起了大的方口木刻刀进行尝试，在原有的基础上用大的刀刻了新的痕迹。因为是修改和尝试,我会改一点看一下,改一点再看一下这张画改改停停，在它未完成的状态里我就开始选择方向。在画面的黑色底色上，保留木刻所产生的色彩的层次，形成了断崖似的直角，我觉得它很有力量,这种方式也比较符合我现在的想法，也由此产生了新的创作方向。

当:2015 年您考量了上海龙美术馆(西岸馆)的展览空间,为个展“何所示”创作了一批新作。此次个展也特别创作了一批作品,这批新作是否考虑到龙美术馆(重庆馆的空间，和重庆不同的城市文化?
丁:场馆的关系我是考虑到的,去年我来过重庆馆,在作品的创作上有一些针对性最近几年,每年我都会有一场大型个展，每场个展都会有新作，这也是我的一个习惯。我不愿意叫它“回顾展”或“巡回展”,因为我觉得每一场个展都是一个机会,能够在不同的美术馆、不同的地区，发现新的触发点,然后有针对性地为此创作一些新的作品这对我来是一种接力。我习惯在场馆中比较中心、重要的展厅呈现最新的作品。龙美术馆(重庆馆)也有这样的展厅,前面连接着走廊似的长展厅，就像一个大本营似的停顿点，在这个展厅布置了黑白的四件作品

当:此次展览的前言中提到，这场展览能够体会到“艺术家在创作过程中不断自设障碍的决心。”您在创作中曾给自己设置了哪些障碍?是否有没能突破的障碍?
丁:我一直比较警觉。1991年我开始“口语化”的创作,可以画得很快,线条也很流畅但这种流畅让我很害怕，我觉得一张画完成得那么快，可能会有问题，当时我就想怎么让自己慢下来,更加沉着。我做了很多尝试比如在不做胶底的布上作画，这样颜料会被布面吸收，笔触走不快，迫使自己慢下来在色彩方面我也给自己设置过障碍我很喜欢在某种限定的系统里寻求突破和可能。1994 年、1995 年我用木炭、粉笔进行绘画，那个时候国内还没有专门用作绘画的粉笔，我用的是教学用的普通粉笔，一共只有7种颜色。在有限的颜色中寻找可能,我觉得很有意思。在色卡中,所有荧光的颜色可能只有5种,但我在长达12年的“荧光色时期”就在这5个色调里不断地转化，寻找突破的可能。

当:您喜欢给自己设置难题,然后去努力解决?
丁:是有一点。我很多作品的灵感，都是从工作中来的。我不会同时进行两件作品的创作，上一件完成了，才会开始进行下一件。一般上一件作品还差 1/5 即将完成的时候,大局已定，我也就知道了这张画的不足之处在哪了，那是我下一步要克服的。由此下一件作品的想法也就出现了。策展人卢迎华为这次展览定的题目很好一“十字体”作为一个个案，在长达30多年的创作中,一定是形成了一个系统的,她用这样的题目提示了系统的存在和系统的持续。

当:您曾提到您在寻找新的社会精神,这种精神跟整个社会巨大的转型有关，这种转型让你能够以更高的视野看待整个世界您觉得当下的社会精神是什么?这对您的创作形成了哪些影响?
丁:我对社会精神的理解是我的个人感知，但是这个话题很难总结，用抽象绘画的形式表现更好。我认为应该文化先行，全球的价值观先行,首先要有一个全球的价值观才能用文化产生共鸣。美国艺术的崛起，当然有经济、政治的因素,但它也是新的价值观崛起，甚至与国家的文化战略紧密结合在一起。从这个角度出发，我们中国的当代艺术是什么?对于我们自己来说，当然要完成自己的使命，最好能跟国家的使命结合在一起,这样就能有更好的发展。但也可能不能合拍，那就孤身奋战。我们今天的工作是为了 20 年以后，是一种布局。我现在在全球有4 家代理画廊,分别负责国内、亚洲区、德国、巴黎、瑞士、伦敦、纽约、南美洲地区。我们这一代有可能真正地走向世界，那么与这些国家和地区的画廊产生联系是必要的条件。在今天一举成名的可能性微乎其微如果想让 10% 的人看到你，都有许多的工作要做。这是我对自己的规划和布局。

当: 您在2000年左右创作的作品中,“十字”符号在画面上的呈现有一些像素的感觉您在创作中有没有受到电子屏幕这种视觉习惯的影响?
丁:我很少上网，对高科技也不是很了解，我没有有意追求数码化。我一般不为作品做小稿,不用电脑做草稿,手稿也没有,因为我不想限制创作中出现的偶然性。一旦有稿子，就会框定创作,让它变成死的,所以我尽量不用这样方式。但是我一直特别关注创作的时代性。

当:“十字”已经成为了您的图像符号。“十字”在画面上的呈现，很容易让人联想到创作过程对时间的消耗和动作上的重复,您如何看待个人创作中描绘“十字”的这个过程?是否可以将创作的过程视为您将自己抽离于日常和现实的一种修行?
丁:对于艺术家来说，日常生活就是工作。一天24 个小时，我肯定有 12 个小时在工作室，这成了我的生活里最重要的整段的时间。

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