第十届影像上海艺术博览会与首届上海国际当代影像节在氤氲水汽中同步启幕，以“用影像发声的时代”为宣言，以“一城多域”的策展模式，让影像艺术全城联动，从殿堂走入街巷，浸入都市生活肌理。

在上海展览中心的穹顶下，观众穿梭于光影交织的长廊，观看各色变幻的电子屏与多元主题的摄影。在场外，影像的触角也延伸至张园的石库门、苏河畔、前滩的霓虹商圈，将整座城市编织成一张流动的影像地图。

艺术家丁乙的数字影像项目“天上海下”在历史建筑张园中展开，以虚实交错的动态画面叩问时空的边界，如这场影像节对上海城市气质的隐喻：开放、交融、永续演进。

首届上海国际当代影像节（SICPF）以“超影像都市”定位，打破传统展览的物理桎梏。联合影像上海艺术博览会以“1场艺博会+10场主题展览+15场平行联展”，连接近20家艺术机构与文化空间，通过影像艺术这一无界语言，展开上海繁盛的文化图景，开启一场辐射全城，横跨艺术、文化与城市生活的国际化视觉盛宴。

从上海展览中心的核心展区出发，影像的足迹蔓延至张园、苏河艺术空间、兴业太古汇等城市地标，形成“15分钟影像艺术生活圈”。观众在张园的百年石库门中凝视收藏家靳宏伟的收藏之作，转身又在富士胶片影像空间遇到深濑昌久的“私景”摄影回顾展；在前滩太古里感受第二届超界艺术节“色彩之舞”的生命能量，而Fotografiska影像中心的马丁·帕尔则以辛辣的纪实镜头刺破消费社会的幻象。这场全城漫游，让影像从单向观看变为多维对话，历史与未来、本土与国际、虚拟与现实的边界在此消融。

经典与先锋的视觉交响

在张园YUAN LINK，丁乙的“天上海下”以五块动态屏幕构建，是他从绘画出发将自己的创作媒介同样拓展到数字艺术领域的一次尝试。2022年，丁乙创作了一系列从星辰大海意象中汲取灵感、探索宽泛的宇宙观及精神性的作品，该作品在同时期绘画创作的基础上拓展了其艺术表达的维度，并具有绘画无法达成的流动性。画面中的元素不断变幻动态和色彩，并在画面的中心——“海天相接”之处迸发出能量。多个画面以相似的构图形成逻辑秩序，但各自迥异的特质又分别传递出不同的情绪。

丁乙坦言，这一创作并非媒介的“转换”，而是对抽象语言边界的一次叩问，数字技术让时间维度显形。这是让历史建筑的“实”与数字影像的“虚”对话的一种尝试。“海天相接”的能量在单个房间中迸发，在窗内窗外、建筑内外隐喻上海作为港口城市的开放与交融，暗示城市空间的历史与未来，同时指向更为普世的宇宙与精神性。

当AR、元宇宙等技术浪潮席卷艺术领域，本届影像节以“用影像发声的时代”的命题，将讨论引向更深层的价值维度。无论是杉本博司镜头下凝固的时空，还是丁乙数字影像中跃动的符号，艺术家们始终以影像为媒介，捕捉人性的永恒命题——记忆、身份、存在与消亡。正如丁乙所言：“技术制造奇观，但艺术应追问奇观背后的本质。”

对话丁乙

你在“天上海下”项目中通过动态画面和色彩变幻打破了传统绘画的静态性，这种“流动性”是否呼应了你对抽象艺术“无限演进”的追求？你如何看待数字技术为艺术表达注入的“时间维度”？

丁乙：抽象艺术是一个不断延展的系统。“天上海下”项目的流动性确实与我对抽象艺术“无限演进”的思考紧密相关，但我并非在作品中刻意追求动感，而是试图捕捉一种自然生成的秩序。这件作品延续了我在2022年架上作品中对宇宙、精神性的探索，试图在影像中模拟宇宙持续演进、变化的状态。演进和变化本质上都是时间维度的显形。数字技术并非目的而是手段，它赋予艺术一种“时间维度”介入后的“生命感”，作品化作与观者共同经历变化的有机体。

从传统绘画延伸到数字艺术及数字作品。“天上海下”可以看作是你艺术语言一种全新的表达。能否分享一下，这个转换过程中核心的动力或契机是什么？

丁乙：我不认为这是一种“转换”，它是自然而然发生的形式的变化。在“十示”系统的长期建构中，我不断寻找能够承载它更深层精神逻辑的媒介。如果真要说“转换”，核心动力是源于对“边界”的持续挑战。绘画的二维平面性让我得以专注于纯粹的符号“+”和“x”，但宇宙与精神性的探索指向了更多元的媒介和技术手段。这种媒介的转换并非取代绘画，而是对绘画语言的一种补充。

本届影像上海艺术博览会强调影像作为“无界语言”的公共性。“天上海下”在张园这一历史建筑中展出，如何通过作品与城市空间对话？

丁乙：作为上海近代文化的缩影，张园历来有“近代中国第一公共空间”“海上第一名园”之名，拥有上海现存规模最大、保存最完整、建筑形式最丰富的石库门建筑群。将“天上海下”在张园的一处空间中展示，是让历史建筑的“实”与数字影像的“虚”对话的一种尝试。“海天相接”的能量在单个房间中迸发，在窗内窗外、建筑内外隐喻上海作为港口城市的开放与交融，暗示城市空间的历史与未来，同时指向更为普世的宇宙与精神性。

你日常有偏好摄影的习惯吗？如果有可以展开谈谈，有热衷或偏好哪位国内外影像大师或摄影师的作品吗？

丁乙：我没有经过专门的摄影训练，但摄影作为一种记录情绪与“观察”的工具，是我在创作中常会使用的。在国内外的影像名家中，辛迪·舍曼通过角色扮演解构身份，反思自我及历史；杉本博司的“海景”系列则用极简的黑白影像凝固时间，唤起空寂的回响，他们的作品我都觉得非常有趣。

影像艺术正从传统摄影向AR、元宇宙扩展。在“技术赋能”与“艺术本质”之间，创作者应如何平衡？

丁乙：新的媒介丰富了艺术的表达，但技术即工具，必须服务于创作者的直觉与观念。比如“天上海下”中动态色彩的变化并非为了炫耀技术本身，而是对“变动不居”这一哲思的模拟。

本届影像节联动20多家机构构建“15分钟影像艺术生活圈”。你认为上海在推动影像艺术全球化与在地化融合中有哪些独特优势？作为上海艺术家，这座城市如何影响你的创作视野？

丁乙：上海是一座特殊的城市，它的历史与未来并存，信息的接受传播都很快。这一特质为影像艺术提供了跨文化的土壤。同时，上海的艺术受众群体具有国际化的视野和判断力。作为上海艺术家，在我眼中上海这座一直变化的城市有着独特的天际线、多中心的区域、绚丽的城市色彩，它们不断给予我创作的灵感。

此次数字作品在视觉上对“十示”系列进行了再激活。在未来的创作规划中，你是否会探索更多与新媒介、影像生态互动的可能性？

丁乙：“十示”是一种语言、一种方式，它不限于任何一种媒介。它可以用新媒介、新技术探索疆域，但在对技术的追逐中需要时刻保持内省，看到技术的局限和可替代性。也许我更关注媒介的拓展本身是否能给予作品一种独特的“精神张力”。

当前全球影像艺术正处于不断变革之中，技术、跨界合作以及新媒体的崛起正改变着艺术与审美经验。你如何看待这种发展趋势？

丁乙：的确我们正处在一个多变的发展阶段，思维、方式、路径都在改变。无疑这一切都会生出新的经验与审美，但人类的情感、人性和思想是永恒的流动不居。技术、跨界合作以及新媒体可以制造奇观，但艺术应追问的是那些奇观背后的本质。

出品人：邢丽

内容策划：孙洁

撰文：Jessie

新媒体统筹：Lenny

新媒体视觉：Andrew

新媒体执行：Shuzhen

图片来源：影像上海艺术博览会提供

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