近日，香格纳上海向观众呈现了丁乙个展《立交》，展出艺术家最新创作的“十示”系列绘画以及一件雕塑作品《阁架》。这是丁乙时隔十二年之久，在香格纳画廊国内空间举办的个展。作为丁乙作品中最主要的视觉构成，横纵相交的线条与密集繁复的“十示”符号依然铺陈于此次展出的木板、布面、纸本绘画之上。展览标题“立交”取“立体交汇”之意，则体现了艺术家在画面层次与结构上展开的全新探索。以下是“凤凰艺术”特邀撰稿人于奇赫对艺术家丁乙进行专访，更深度地解读此次展览。

11月的上海是当代艺术的又一场狂欢。国际化的艺博会和双年展接连开幕，美术馆和画廊也在此时推出了重量级的展览来作为狂欢节的间奏。2018年11月7日香格纳上海向观众呈现了丁乙个展《立交》，展出艺术家最新创作的“十示”系列绘画以及一件雕塑作品《阁架》。这是丁乙时隔十二年之久，在香格纳画廊国内空间举办的个展。

作为丁乙作品中最主要的视觉构成，横纵相交的线条与密集繁复的“十示”符号依然铺陈于此次展出的木板、布面、纸本绘画之上。展览标题“立交”取“立体交汇”之意，则体现了艺术家在画面层次与结构上展开的全新探索。丁乙的个展在近几年频繁亮相国内重要的美术馆：2015龙美术馆西岸馆、2016湖北美术馆、2017西安美术馆和2018广东美术馆的展览，我们可以看到艺术家异常勤奋背后，则是他对于抽象艺术毫无减退的热情和从一而终的执着。

面对信息时代当下的冲突无序，以及自我空间的日渐逼仄，恒定的“+”、“x”符号以笃定的姿态陈述着艺术家在创作材料、手法上的持续演进，为作品赋予浸入式的理性和秩序感。这次个展有什么不同？艺术家如何看待11月的上海？我们带着一些列的问题走进了艺术家丁乙的工作室。你可以打开手机导航搜索到“丁乙工作室”，说明艺术家的个人创作空间已经纳入了上海城市艺术空间的坐标中。工作室就位于香格纳画廊的后面，一堵墙和铁门将艺术家从11月热闹的西岸隔离出来。

Q：我们对您的“十示”系列绘画比较了解，而这次展览展出了一件雕塑作品。我那天碰到了凌敏老师她说您以前做过很多雕塑，您能说一下这件雕塑同绘画的关系吗？

丁乙：这件雕塑是为了这个展览特意制作的，我希望有一件新的作品、不是绘画的作品。因为大家对我的绘画比较了解，的确是对我的立体作品不是特别了解。其实很多年来我一直在做立体的东西，比如建筑和家具设计，也有雕塑。但是所有的这些作品更多地偏向于公共艺术，因为我几年前还在视觉艺术学院教书。我那时创立了公共艺术专业，包括教学大纲、计划和专业的定位。所以我对于公共艺术比较了解，并且自己也有一些实践。但是公共艺术有时候是和自己的作品有密切关系的，有时候并没有。所以可以说立体的作品和我主体的绘画创作，是一种若即若离的关系。

Q：上海的公共艺术这几年确实开展的越来越火热，那这件雕塑中有关于公共艺术的探讨吗？

丁乙：这件作品没有，《阁架》这个命名就是描述我自己的创作和工作室的创作环境。这件雕塑反映了作品在工作室的堆放，或是工作室阁楼书架上的书。当然我们对于这件作品还有更加宽泛的阐释，但是主要是我对于工作场景的一种理解。我以前没有把自己的雕塑放在个展里展示。这件作品没有我明显的符号，只是这些颜色是我绘画时常常使用的。

Q：我看到了这些彩色的板子也不是椴木的。

丁乙：对，是钢板。这件雕塑对我来说比较重要，因为能不能坚定地、持续的实践我对雕塑的想法。

Q：这次展览展出了近两年的“十示”绘画创作，有关研究者将您之前的创作概括为“荧光色-黑白-多色”的三个阶段。我了解到从“荧光色”系列作品到“黑白”系列作品的转变，是因为您的眼睛长时间受到色彩的刺激而产生了不是，那现在又开始了多色的创作是找到了平衡色彩的新方法吗？

丁乙：首先我自己酷爱颜色，也善于把控颜色。颜色同我工作的状态密切相关，所以舍弃不了。而我转到黑白的绘画只是一种调节，给自己一段可以冷静的时间。不过两年之后又回到了色彩上，到现在的色彩越来越多。我觉得处理色彩和时代、绘画语言的关系，对于一个艺术家来说是非常重要的。哪怕是我从事黑白为主要色调的创作时，绘画的第一层底还是用了亮的颜色，然后把黑色罩在上面。

Q：黑色底下还是有东西的，只是不太容易看出来，不像白色那样能透出一些色彩。

丁乙：恩，虽然观者不是很容易看到，但是画面中有东西的话人们总能感知。比如从黑色的厚度来说是不一样，质感也是不一样的。绘画最最终来说是物质化的呈现，但是它的内涵是精神性的东西。这两者之间如何有效地进行关联，实际上是一件非常微妙的事情。

Q：所以后来开始用剔的方式，就是把底层的色彩展示出来？

丁乙：对，后来我就在木板上制作了更多的色层，这与黑白绘画时期制作了一个色层有关。因为我不想黑色就是黑色，黑色的里面实际上应该有更为丰富而整体性的变化。那么这个木刻也是，我一开始的时候简单地相就是在木板上刻和画，但是在质感上达不到让色彩有机地交融的状态。完全是在木板上刻出来的是发白的样子，但是因为有了多样的色层作品就会呈现出不同的层次。有的是木纹，有的是单色或是不同的颜色，这样转换的语言就变的非常地丰富，出现很多突变的点。

Q：在画册中看不到这样的细节，作品在印刷中缩小了，我们看不到点的微妙变化。

丁乙：对，画册只能看基本的图形，但是不能感受到绘画的细部。

Q：因为我对古代艺术也十分感兴趣，所以我一看到您在木板上的这一批预埋色层的作品就想到了中国的漆工艺。像清宫里的家具就刷了数层的绿漆、黄漆、红漆和黑漆，然后通过剔的方式来进行雕刻。那您最新的创作方式同工艺美术有关系吗？

丁乙：也不能完全这么说。我自己觉得好的作品，观者本身的理解越丰富越好，进入的方式有很多。不同的人有不同的进入方式，你说的剔漆的方式是一种进入的方式。但是也有人能看出碑刻的感觉，进入的方式实际上有很多。

Q：对，其实外国人看了，他们会从他们自己文化中找到一种相似的感觉去理解。

丁乙：对。

Q：您之前的作品与城市的发展保持着一种脉动，那您现在的创作状态是什么样呢？

丁乙：自己创作已经有三十年的时间了，中国改革开放也进行了四十年。所以这其中有很多问题需要思考的，比如说这几十年的当代艺术成果需要一种角度来回顾、梳理，对于我来说自己怎么看待自己这三十年的创作？未来将要怎么走？所以举办展览也是为了能够让更多的观众看到我的作品，发表自己的意见。自己的作品积累了三十年依然成了系统，需要进一步推进和持续性的思考，这和三十年前自己的创作状态完全不一样。

Q：对，这也是一种温故而知新的途径。

丁乙：谁都料想不到今天社会的发展，所以我也会想这样的创作和中国有什么关系、和世界有什么关系。特别是在西岸艺博会和ART021期间，我这里也会来很多的美术馆馆长和策展人，这是三十年没有的状况，这是一个新的现象。

所以在不同的时代以及社会背景里面，艺术家应该有什么样的作为，以及这个作为能有什么作用、意义？现在西方的画廊带来了全世界最新的艺术，那中国艺术家如何进一步走向世界？可以说艺术周大部分的美术馆做了国际的展览，像龙美术馆、余德耀美术馆和宝龙美术馆的一部分做了单色画的展览，还有外滩美术馆和k11。所以现在是一个非常国际化的局面，这对中国艺术家来说是一个契机，有进也会有出。

Q：但是当代艺术的话语权似乎还不在我们这里，比如2017年底纽约古根海姆博物馆举办的“1989年后的艺术与中国：世界剧场”中国当代艺术展，就是由两个美国的中国当代专家联合一位华裔专家策展，没有中国第一线的策展人和学者参与。

丁乙：今天的中国当代艺术进入了一个新的时期，是一个发声的时期。中国开始建立了这样一个平台，只是商业的层面在做，学术层面和国家层面还没有开始；虽然有的民营美术馆也开始做，但是基本上是单向的。今后更多的中国机构参与艺术家参与其中，这样才能在双方的交流中产生有益的知识。例如美国格林伯格的理论让抽象表现主义在美国兴起，这与美国国力的强盛、人才充裕、经济发展和文化自信有关。那时候的美国艺术就是要抗衡欧洲的艺术，目标就是建立自己的艺术话语体系。其实任何的艺术都是这样，美国的努力让欧洲今天都不能够在当代艺术上翻盘。

Q：为您新个展的开展在11月的上海，所以中国与世界、个展与群展、抽象与具象等很多问题都可以在当下的语境中进行思考。

丁乙：对。

Q：也有些声音认为中国的当代艺术趋向于僵化和简单化，您会一直坚持这样的创作图式吗？那您怎么看待变与不变的问题？

丁乙：这些问题媒体问了很多了，在现在这个阶段这对我来说都不重要。

Q：都不是问题。

丁乙：因为对于艺术家来说，你无非就是要画好画。作为一个艺术家，第一是你还有激情阿吗？你每天充满激情在工作吗？一个艺术家在自己的作品前呆一两个小时，那肯定会对自己产生怀疑；但是我可以在工作室一天呆十二小时，从早到晚。这不是靠毅力，因为作品就是你的生命一样，你是让它活着的，这些画都是有呼吸的，所以不会僵死，也不会变成符号。

第二，艺术家的语言是不是一直在更新。对我来说，已经将“十”字看成一个笔触了，就像梵高的笔触一样。你说梵高用一辈子这样的笔触是固定吗？显然不能。我原来是强调“十示”与现实的距离，因为在80年代纯粹抽象非常难，没有人能够接受。所以我要用这种十字形强调纯粹抽象，避免人们一看到画面就联系自然，我就是要切断这种联系。那时候的十字形画的很严谨、用的尺子，和现在不一样。

Q：现在放开了。

丁乙：对，还是组织画面的方式不同。最近我把自己不同阶段的创作，总结为三个角度：第一种是平面的角度，从88年开始一直到98年，就是正视的方向；第二种是荧光色系列关注城市的作品，是俯视；现在是仰望天际的感觉，这个范围更广。当然是这三个角度没有几百张作品的支撑，是讲不通的。所以这些作品不是机械的符号，而是生长的。

Q：对，这三个阶段是非常清晰的，作品越来越耐看。真的一般人受不了这么繁复的劳动，我很佩服您对于抽象艺术创作的坚持。

丁乙：因为我很早就参加国际的艺术展览了。最早参加的是93年柏林中国前卫展、还有第45届威尼斯双年展，这些展览都有我的作品参展。但是我始终是很边缘的，因为大多数的主题都是关于社会化和政治性的。像一些外国的展览国内都会收到一些复印的简报，选择报道的都是和中国形象有关的作品。这些简报里都没有我的作品，我那时就明白我需要慢慢来。

Q：但这些年另一个变化就是作品的尺幅越来越大。

丁乙：对，因为现在我基本是一年会举办一或两个个展，所以需要一些大型的作品。新举办的个展不是巡回展，也不是回顾展，所以就需要创作新的作品。画的尺寸越来越大是因为我每次举办展览都会问美术馆的墙高，比如这幅画就是为广东省美术馆的个展特别创作的。当然作品尺幅也不会特变大，因为太大灯光就打不到了。

Q：那接下来每年都会有至少一个个展了。

丁乙：对，要是举办两个个展的话，其中一个会是美术馆的展览，另一个是画廊的展览。美术馆举办展览对于作品的体量要求会比较多，一般是70到100件作品。当然只是一个主厅需要新作品，其他展厅需要呈现不同时期的作品。因为个展还是希望能够在上海之外的地方举办，让观众看到我创作的线索。所以每一个展览都是有针对性的，隐约地有一个主题，能够让观众看到你的新的变化。

Q：我记得您还策划过2017年的上海艺术设计展，参与社会活动必将会占用自己的创作时间。那您怎么看待艺术家与社会之间的关系？

丁乙：我觉得今天的艺术不像100年前这么孤立、或者是纯粹。实际上我们看到100年前也没有艺术博览会、拍卖行也没有几家，艺术的声音都是发声在小圈子里面的。但是现在艺术在社会上推广的层面越来越大、作为艺术家的角色越来越显著，艺术家应该为社会承担一些义务。原来说的象牙之塔可以不问和艺术无关的任何事情，但是今天不是这样。至于设计展的策划，因为我当时策划过20年展览的一个板块，所以汪大伟找到我说希望我做一个总策展人。我当时的心理其实是矛盾的，因为我知道这要花很多力气；但是我的一些想法可以弥补设计界没有办法看到的东西，这或许是我的一个优势。当时我记得汪大伟说“你也要为社会做点贡献嘛”，我想想这句话好像没错。结果这个展览策划一做就是几个月的时间，几乎天天都在我工作室二楼现场办公，开会。

Q：对，这里距离场地很近。

丁乙：我还会参加一些慈善的活动，艺术家不能仅仅是索取，还是要奉献。

Q：恩恩，我也能从您的作品感受到与社会发展之间的关联。

丁乙：我已经辞去了视觉艺术学院的工作，所以我现在的创作就是最为自由的。我自己可以主宰我的时间，社会性的事物也会有选择性的参加，比如过两天会去参加川美罗中立奖学金的终评。我每天会在这里10个小时以上，只要在上海，就在工作室。

Q：谢谢丁老师接受我们的采访，期待您今后带来更多的作品并引发大家产生新的思考。

丁乙：谢谢。

……

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